EL FUTURO ES HOY | Jonathan Farías Carrillo

“El futuro es hoy” podría ser la etiqueta de nuestros días dado el desarrollo tecnológico del ser humano. En el campo de la comunicación vivimos experiencias imposibles para épocas pasadas. En casi todos los espacios del globo terráqueo hay una red de comunicación digital solo limitada por gobiernos retrógradas. Las relaciones del mundo como una comunidad global son un hecho. Las tecnologías de la comunicación lo mismo nos ayudan a conversar con un amigo en Japón que a transmitir en vivo una conferencia para Moscú. Las sociedades se han globalizado y con ello las necesidades se han venido homologando y los deseos se empatan.

La piel ha cambiado a una textura algorítmica y las emociones son enviadas a través de likes y de gestos en emojis. El desarrollo de la comunicación ha engendrado relaciones humanas sin cuerpos y los placeres se han desplegado principalmente en el sentido de la vista. El contacto piel a piel ha disminuido y las amistades a través de la red se han expandido. Es ahí, en este contexto tecnocéntrico y digital, donde irrumpen y tienen cabida propuestas que buscan salidas para una conexión más humana, corpórea, multisensorial. Propuestas que hacen uso, y no al revés, de las tecnologías para ampliar su campo de acción y mostrar por otros medios lo que antes solo imaginábamos posible en un espacio físico concreto.

arte314 es una de esas ideas que se soportan en diferentes plataformas digitales pero que tienen una misión humana muy específica: La experiencia del arte. Una propuesta contemporánea con dispositivos contemporáneos.

arte314 es una galería virtual que hace uso de la web para crear una ventana digital al mundo del arte. Este proyecto abona a un nuevo nicho en el mercado abriendo las posibilidades de acercarse, conocer y adquirir una obra de arte. Fomentando con esto el coleccionismo y promoviendo al paso a diferentes artistas mexicanos que con su obra, nos invitan a reflexionar y vivir una experiencia estética. Los trabajos reunidos por esta galería virtual son dueños de una calidad técnica indudable: la gráfica impecable de Brenda Castillo, la pintura realista en mundos oníricos de Gabriel Iván o las producciones refinadas con cerámica de Constantino Méndez son constancia de ello, además, los discursos de los creadores están en sintonía con las problemáticas e intereses del mundo contemporáneo. Las calaveras metalizadas de JC Zubiaur o los ambientes futuristas de Víctor Mora son un ejemplo. Por otro lado, arte314 muestra y también demuestra al público la manera de iniciar una colección de arte y la forma más adecuada para montar y disponer de trabajos artísticos profesionales. Un servicio poco explotado para ver, conocer, adquirir y disfrutar del arte, en una plataforma que tiene muchas posibilidades en el presente y una inimaginable proyección para el futuro.

El catálogo de arte314 está a la vanguardia de la creación contemporánea y podemos revisarlo en cualquier momento solo dando un clic. La colección alberga obras que transitan por un amplio abanico de materiales y técnicas, y ofrecen la posibilidad de imaginar algún espacio intervenido o modificado con alguna de ellas. Pintura o cerámica de alta temperatura por ejemplo, o escultura en mármol y gráfica digital también, o porque no, bronce a la cera perdida. Diversas posibilidades de obras para el coleccionista en ciernes y piezas perfectas para el experimentado comprador de arte.

arte314 respalda a diez creadores con propuestas que refrescan las prácticas del arte tradicional dotándolo de identidad e insertándolo a los diálogos del arte en el mundo. Imágenes y objetos propios de un presente posmoderno, híbrido de formas y culturas, de técnicas y materiales, de temáticas y emociones. La muerte, la tecnología, la naturaleza. Condiciones humanas universales en un presente que se parece al futuro que imaginaban las mentes del pasado: comunicación globalizada, mundo tecnificado, el reclamo de la naturaleza, un gran y único mercado mundial. Y ahí, siempre en ese destino en acomodo, el arte. El arte como cuestionador y respuesta, como solución y para la misma. El arte y las muchas figuras que en él se enmarcan: exposición, experiencia estética, adquisición, entre otras. Este proyecto al parecer se propone como una opción en una comunidad glocal, es decir, una vitrina del arte hecho en y desde México y para el mundo.

 

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Jonathan es artista multidisciplinario, performer, dibujante, caminante, cantante y constante reflexionador del arte.

En las aulas de la Facultad de Artes Plásticas UV fue alumno destacado, de esos que llevan al maestro a investigar más de lo que sabe para atender a los cuestionadores. Ahora que será maestro de adolescentes, seguro se encontrará con un alumno rebelde y unos cuantos disidentes.   

La estructura compartida | Jimena Ortiz

Acaso una de las ideas más criticadas, desde mediados del siglo pasado, sea aquella propuesta por René Descartes cuando considera la existencia separada de dos elementos constitutivos del ser humano: la razón y el cuerpo. Generalmente, dicha idea se retoma y se pone en tela de juicio con el propósito de subvertirla, invalidarla, trastocarla o desestabilizarla, esperando con ello una modificación de cierta ‘armonía’ que se asienta en las dicotomías elaboradas por el pensamiento científico moderno. Masculino/femenino, cultura/naturaleza y sujeto/objeto funcionan también como ejemplos de conjuntos binarios y jerárquicos, a través de los cuales un elemento (el primero) tiene preponderancia sobre el otro (el segundo).

                Las ideas cartesianas y su método científico, que en ocasiones aprendemos en la escuela, han facilitado la consolidación de una manera de ver el mundo en la cual los seres humanos nos hallamos “por encima” de la naturaleza y, por ende, podemos hacer un uso instrumental de ella. Quizá las consecuencias más evidentes de esta óptica sean la contaminación de nuestro entorno, la extinción gradual de ciertas especies y el calentamiento global… y es que pareciera que, como género, no sabemos muy bien cuándo dejar de avasallar los recursos naturales a nuestro alcance. Por fortuna existen otras perspectivas: ecologistas, feministas, decolonialistas y de pensamiento complejo (por mencionar algunas herederas del propio discurso occidental) que plantean tipos de relación alternos entre “la razón-la cultura-lo masculino-el sujeto” y su presunta contraparte “el cuerpo-la naturaleza-lo femenino-el objeto”. En estas perspectivas, los bordes de las categorías se difuminan un poco y se prestan a una dinámica de intercambios, yuxtaposiciones, asociaciones y cruces sin jerarquías, por lo que podemos decir que buscarían más el reconocimiento de los préstamos entre las categorías, que el establecimiento de un nuevo orden, estable y universal. Lamentablemente, a veces, esas teorías carecen de imágenes que sirvan de entrada visual a sus planteamientos, por lo cual se dificulta una comprensión que nos acerque a lo concreto y que sitúe allí su campo de acción.

Resulta muy gratificante cuando desde la práctica artística se formulan propuestas cuyo paralelismo con las propuestas teóricas son evidentes. En ese sentido, quiero retomar la producción plástica de Brenda Castillo a modo de ejemplo. La serie de gráfica producida desde 2016 y hasta 2018, nos deja observar un camino a través del cual podemos, además de sortear las dificultades implicadas en la elaboración de un imaginario que evidencie los préstamos entre las categorías de cultura/naturaleza, masculino/femenino o razón/cuerpo; configurar un lenguaje visual que rebase la separación de las mismas. En otras palabras, nos hallamos frente a una propuesta que juega con la separación de las categorías y con el sistema binario que las agrupa como elementos opuestos. Para ello, la obra de la artista veracruzana se afianza en un proceso de relectura de un material destinado a una función de corte científico, pero agregando un valor indudablemente afectivo. Si bajo el paradigma racional, la división entre razón y cuerpo supone que el ser humano puede ser dueño de sí mismo y lo que le rodea, las siluetas, cuerpos vacíos y composiciones con órganos y plantas de Brenda, sugieren una interdependencia que no puede comprenderse en términos de dominio.

Es verdad que para nutrir o ensayar sus composiciones, la grabadora e impresora emplea ilustraciones de anatomía que desde hace más de quinientos años han representado los sistemas: nervioso, muscular, digestivo, circulatorio, óseo, etc. Pero el paso de esas imágenes por su gubia no las deja intactas. Al contrario, conforma un territorio comúnmente no percibido en el cual aquello que compartimos con nuestro entorno se manifiesta desde sus estructuras orgánicas más íntimas. Así, inscribe en la placa una hibridación de dos lenguajes: el del discurso científico, racional y positivo, y otro que tiene que ver con lo afectivo, orgánico, sutil y que contempla el movimiento. Línea tras línea, Brenda produce un espacio donde la metáfora encuentra cabida y donde el ser humano, visto desde dentro, se convierte en una extensión más de su entorno, semejando el desarrollo de las propias plantas y sus formas elongadas, voluptuosas e intrincadas. Cual si de un cuerpo continuado se tratara, la apuesta apunta hacia rebasar la idea del género humano como autónomo, al tiempo que se nos invita a reflexionar sobre nuestra comprensión de mundo, vía un ejercicio de introspección.

Acaso, una vez completado, podamos observarnos desde una posición distinta: lejos de la completa afirmación o negación de las partes racionales y sensoriales que nos conforman, y más próximos a una afirmación y abrazo de toda aquella red embrollada -densa, flexible, callosa, carnosa y suave- que nos da estructura.

 

 

Jimena Ortiz Benítez nació en Xalapa.

Estudió Historia del Arte en la Universidad de las Américas Puebla. Actualmente cursa la maestría en Estudios sobre el Arte. Fue seleccionada para participar en el salón de Video-Textil en la 7° Bienal de Arte Textil Contemporáneo con el proyecto “Crisálida”.

Le gustan las nueces de macadamia, bailar y nadar en mar abierto.

ELECTROGRAFÍAS DE VÍCTOR MORA | SILVIA ALEJANDRE

En la obra de Víctor Mora cada fragmento actúa de forma independiente y a su vez, queda encadenado al continuo temporal de un instante narrativo.                                                                                                                                                                            Rafael Pérez y Pérez Curador

Copy-Arte Gráfica Urbana, es la exposición que estrena Víctor Mora en el Museo Tecnológico de Monterrey en la ciudad de Puebla.

El proyecto Electrografía | Gráfica líquida del cual se desprende la muestra, es resultado de la investigación doctoral de Víctor Mora que recientemente ha defendido en la Universidad Autónoma del Estado de Morelos.

Electrografía es la técnica que el artista utiliza para realizar esta colección en la que, experimentando sobre diversos formatos y con distintos materiales, aborda el postulado sobre el arte líquido de Zygmunt Bauman (Polonia 1925 - RU 2017) sociólogo/filósofo contemporáneo que sostiene que: “Las imágenes se tornan de alguna manera líquidas en esta época posmoderna, una imagen puede pasar de lo sólido a lo flexible, de una materia a otra, de un concepto a varios conceptos, de una obra material original a la multiplicidad.” De manera que, en el leguaje de la gráfica, el medio utilizado para la producción se convierte en líquido.

Víctor Mora explica la Electrografía como “Un gesto generado por el uso de sistemas y tecnologías electromecánicas, electrónicas o electrostáticas, la obra que se genera a partir de estos medios es una producción de procesos creativos que contempla el uso total o parcial de la imagen, mediante fotocopiadoras, impresoras, plotter, ordenadores, videos y sistemas digitales.”

Al respecto Rafael Pérez y Pérez, curador de la muestra, señala que: “Si bien, el proceso de estampación es un medio artístico añejo, las técnicas e iconografías han redefinido la producción del grabado en nuestro país, ya que al igual que en otros campos, los artistas han explorado medios más óptimos y expresivos con el fin de elaborar nuevos canales para su discurso, y de esta manera alejarse del formalismo o de la tradición técnica.”

Víctor Mora resignifica esta tradición acercándose al ready-made en la pieza Familia en Conserva presentando a sus personajes en impresiones traslúcidas sumergidas en una especie de almíbar denso dentro de frascos de vidrio que invitan al espectador a un juego visual y reflexivo con los varios sentidos de la idea de la conservación y de la tridimensionalidad.

En la serie Familia Sísmica, Mora presenta imágenes intervenidas experimentando con diversos procesos de estampación sobre textil en gran formato construyendo escenas ‘casi’ teatrales con retratos de quienes integran su círculo más cercano; a ellos concede la gracia del movimiento y el peso de un sismo en el doble sentido de que los afectos mueven y de que sus efectos son irreversibles.

En trabajos anteriores como Patrones y Figurines el artista trabaja en torno a la moda como un elemento que acompaña la evolución de la ciudad, el desarrollo del capitalismo y de los sistemas de consumo; al tiempo aborda que aborda el tema desde un lugar más profundo haciendo un homenaje a una historia de familia.

En Simplicity muestra cuerpos habitados puentes, torres, automóviles, mapas y espacios del caos que cruzan la metrópoli; temas urbanos que ofrecen un panorama de la compleja estructura de la Ciudad de México.

Influenciado por el artista estadounidense Robert Rauschenberg (1925-2008), en otras colecciones rescata una serie de símbolos identitarios como la lucha libre, el box, el cine mexicano de décadas pasadas -uno de sus principales intereses-, y se ocupa también de temas sociales y políticos. Su producción más reciente muestra otra búsqueda, una que se encamina a una estética más abstracta.

En esta ocasión Mora revisita su circuito interior y nos comparte una obra más intimista y poética. Desde su madurez artística se permite hacer pública declaratoria de la importancia que para él guarda el concepto de familia en sus más variadas formas.

El espacio del Museo Tecnológico de Monterrey, un precioso y bien restaurado monumento histórico del siglo XVIII es el marco perfecto para la obra reciente de Víctor Mora que se presenta a partir del 15 de marzo y permanece hasta el último día de mayo.

La muestra puede visitarse de lunes a sábado en horario de 10:00 a 19:00 horas y los domingos hasta las 18:00 horas en 4 Norte 5 en el Centro Histórico de Puebla con entrada libre.

SA

 

SEMBLANZA| Víctor Mora        (CDMX, 1971)          Doctor en arte, imagen, cultura y sociedad. Maestro en Artes Visuales por la Academia de San Carlos de la UNAM. Su trabajo ha sido reconocido con distinciones, premios y becas. Ha presentado exposiciones individuales y colectivas en México, Guatemala, Colombia, Japón, Egipto y Rumania. Su obra se encuentra en importantes colecciones.

Los artistas de arte314

Iniciamos nuestro proyecto de la mano de artistas de reconocida trayectoria y de otros que se encuentran en los inicios de su carrera, todos ellos presentan trabajos de gran calidad para conformar la colección 2018 de arte314.

En escultura contamos con Uros Uscebrka, quien ha recibido premios internacionales y es miembro del Sistema Nacional de Creadores. Participa también Ryuichi Yahagi, investigador del Instituto de Artes Plásticas de la UV, que presenta durante este invierno una instalación de grullas de papel (Senba-tsurú) en la sala de exposiciones temporales del Museo de Antropología de Xalapa.

Destaca la trayectoria de la ceramista Mariana Velázquez que fue reconocida con el Premio Nacional de la Cerámica en 2016 y actualmente expone en la muestra colectiva ARTE/SANO ÷ Artistas 5.0 en el Museo de Arte Popular en CDMX.

Constantino Méndez muestra en su cerámica formas orgánicas de impecable manufactura. Nané comparte en su obra la inspiración que encuentra en las formas del arrecife donde suele bucear.

La fotografía está representada por el artista de origen brasileño Rodrigo Albert, radicado en el puerto de Veracruz, cuyo trabajo -de un intenso cromatismo- transita entre la fotografía documental y la obra de autor; en 2006 fue galardonado con el premio Pierre Verger, el más importante en el ámbito de la foto en Brasil.

Víctor Mora quien trabaja experimentando entre la gráfica tradicional y la nueva gráfica, presenta una colección de monotipos que versan sobre temas urbanos. Este año expuso su obra en España, Alemania, Argentina, Colombia y en varias ciudades de México. Actualmente lo vemos en ARTE/SANO ÷ Artistas 5.0 en el Museo de Arte Popular y en el Encuentro México-España 12 artistas en el Museo Goitia de Zacatecas.

Un grupo de talentosos artistas jóvenes presentan su obra en la plataforma arte314: Brenda Castillo desarrolla un proyecto de gráfica en gran formato; Sergio Vara trabaja la escultura en bronce; Elisa Malo muestra una serie de dibujos inspirados en la naturaleza y Gabriel Iván HG, recién egresado de Artes Visuales, quien el próximo verano presentará su primera exposición individual de pintura.

Para conocer más de los artistas y las obras en 314, te invitamos a conocer nuestro sitio y consultar @arte314gallery en redes sociales.

arte314

“Creemos en el arte como una experiencia que enriquece, por eso proponemos integrarlo a nuestro entorno.”

Son las palabras de bienvenida a www.arte314.com, una plataforma digital que promueve el arte hecho en México y busca generar interés por el coleccionismo cultivando nuevos públicos.

En este sitio web podemos encontrar pintura, gráfica, escultura, dibujo, cerámica y fotografía que se puede adquirir a precios accesibles, ya sea para disfrutar dándole nueva vida a un espacio, para iniciar una colección o para hacer un regalo muy especial.

arte314 tiene como prioridad escuchar a los interesados en el tema del arte y ofrece orientar su mirada acompañando el proceso de elección de una pieza y asesorando a quien se inicie en el coleccionismo. Así también brinda apoyo en el montaje e instalación de obra bidimensional y tridimensional con el fin de crear un espacio armonioso que permita a los nuevos espectadores disfrutar plenamente de la obra de arte con la que, en adelante, habrán de convivir.

arte314 apuesta por la calidad de la producción artística que hoy día tiene lugar especialmente en el Estado de Veracruz y emprende el proyecto de la mano de artistas de reconocida trayectoria y de otros que se encuentran en los inicios de su carrera.

La práctica de arte314 abarca la gestión de exposiciones, curaduría, museografía, conservación preventiva y manejo de colecciones públicas y privadas. El equipo que desarrolla este proyecto cuenta con una trayectoria de más de 15 años de colaboración con artistas, coleccionistas, fundaciones e instituciones de cultura.

www.arte314.com es el sitio web de esta galería en línea a la que también se puede acceder desde Facebook, Twitter e Instagram como @arte314gallery.

Para recibir asesoría y atención personalizada puede contactar directamente con Silvia Alejandre en info@arte314.com y +52 1 228.194.86.33.